Dorian Gaudin lebt und arbeitet in Paris und New York. Er absolvierte sein Studium an der École nationale supérieure des Arts Décoratifs in Paris.
„Ich mag es, wenn die Technik sichtbar bleibt und trotzdem etwas Magisches passiert.“ – Dorian Gaudin In seinen Arbeiten lotet der Künstler die Spannung zwischen Statik und Bewegung aus, zwischen Kontrolle und Zufall. Seine Arbeiten beschäftigen sich mit der Anwendung von Bewegung und deren Auswirkungen.
Für seine Ausstellung im Pariser Palais de Tokyo baute Gaudin einen komplexen Maschinenpark auf, in dessen Zentrum eine Apparatur mit einem zwölf Meter langen Blatt aus dünnem, elastischem Federbandstahl stand, das in unregelmäßigen Abständen in Bewegung versetzt wurde.
Das Kunstwerk „Knot“, welches der Künstler für den Skulpturenpark des Immobilien Zentrums entwickelt hat, ist angelehnt an die Untersuchungen aus der Ausstellung im Palais de Tokyo. Der Knoten stellt den zufälligen Endzustand einer dynamischen Bewegung dar. Kratzer, Verknitterungen, Risse sind Spuren des Prozesses, die durch das farbige Eloxieren hervorgehoben werden.

Die aus Seoul stammende Künstlerin Minyoung Paik studierte zunächst Modedesign in ihrer Heimatstadt, bevor sie 2011 nach Deutschland zog, um an der Kunstakademie München Bildhauerei zu studieren. Minyoung absolvierte ihr Studium 2015 in der Meisterklasse von Prof. Gregor Schneider.
Für ihr Projekt „Map of Korea“ fertigte die Künstlerin eine Tischtennisplatte in der Form von Nordund Südkorea an, die an ihrem Aufstellungsort geografisch korrekt ausgerichtet wird.
Das Netz stellt die Demarkationslinie zwischen den beiden Ländern dar. Genau dort, wo bis zum Ausbruch des Koreakrieges der 38. Breitengrad einen schnurgeraden Schnitt zwischen den kommunistischen Norden und den prowestlichen Süden setzte. Das solcherart zur Landkarte umgebaute Spielgerät ist benutzbar und verbindet in präziser Leichtigkeit, was uns ganz disparat erscheinen mag: Spiel und Drill; Ziehen und Überwinden von Grenzen; das unschuldige sportliche Ping-Pong und das reale politische Hin und Her von Drohungen, Hoffnungen, Gewalt und Diplomatie; den deutschen Hobbykeller und den Konflikt am anderen Ende der Welt.

Laure Prouvost (*1978 in Lille, Frankreich) absolvierte ihr Studium am Central Saint Martins College of Arts and Design und lebt und arbeitet zur Zeit in London und Antwerpen.
2013 gewinnt sie den weltbekannten Turner-Preis, der seit 1984 vom TateMuseum in London an Künstler unter 50 Jahren vergeben wird, die aus Großbritannien stammen oder dort arbeiten.
In Laure Prouvosts künstlerischem Output kehren Themen der Flucht in unentdeckte, alternative und fiktive Welten immer wieder. Ihre Arbeiten haben einen sehr starken narrativen Impuls, welche in umfassenden transmedialen Installationen, Skulpturen und Schriftzügen mit dem Moment zwischen Realität und Imagination spielen. In ihren Mixed-Media-Installationen verbindet sie Video, Alltagsobjekte, Keramik oder Malerei mit Architektur und verknüpft Wahrheit und Dichtung zu einer eigenwilligen Realität. Laure Prouvost gewann den Turner-Preis mit einer Darstellung eines Treffens zum „High Tea“ zwischen ihrem fiktionalen Großvater und dem Künstler Kurt Schwitters. Die Skulptur „Tea Swallowing You Cup“ bezieht sich auf diese Videoarbeit. Ergänzt wird die Arbeit durch eine für Laure Prouvost typische Textarbeit. Einem „Sign“, welches an einem Wegrand platziert Fragen aufwirft und zum Verstehen einlädt. Die überdimensionale Tasse mit Sitzbank, in die hineingeklettert werden kann, bietet einen Rückzugsort, einen Ort mit einer anderen Realität, in den die Passanten hineingezogen werden sollen.

von 2012 bis 2017 an der Akademie der Bildenden Künste München und beendete ihr Studium als Meisterschülerin von Prof. Jorinde Voigt.
Für den „Kunstpark“ des Immobilien Zentrums in Regensburg entwickelte Anne Pfeifer eine „Klangbank“ (Arbeitstitel). Es handelt sich um ein skulpturales Schlaginstrument und um eine Sitzgelegenheit. Die drei gebogenen Sitzreihen der Skulptur sind Zuschauerraum und Bühne zugleich. Zum einen bietet die „Klangbank“ Platz zum Sitzen, um das Umfeld zu betrachten. Zum anderen kann die Sitzfläche als PercussionsInstrument genutzt werden. Dabei wird der/die Platznehmende partizipativ in den künstlerischen Prozess einbezogen und wird dabei selbst zum/zur Performance-KünstlerIn. Als Klangskulptur kann jedem der Rundbögen ein eigenes Klangvolumen zugeschrieben werden. Besondere Klangakzente können am jeweiligen Ende eines Bogens gesetzt werden. Hier befinden sich runde Trommelmembranen aus Edelstahl, die den zugehörigen Sitzund Klangbogen als Resonanzraum nutzen und dabei die genannten Klangakzente entstehen lassen. „Idealerweise wird das Klanggeschehen für die partizipierenden Betrachtenden zu einer räumlichen, somatischen Erfahrung, aus der eine Wahrnehmung für die eigene physische Gegenwart resultiert.“ – Anne Pfeifer

Felix Kiessling absolvierte seinen Meisterschüler unter der Professur von Olafur Eliasson an der Universität dek Künste in Berlin, wo er auch heute noch lebt und arbeitet.In seinen formal oft reduzierten Arbeiten beschäftigt sich Felix Kiessling mit Fragen nach Maßstab, Raum und Zeit. Viele seiner Werke nehmen Bezug auf naturwissenschaftliche Themen; es sind die unlösbaren Fragestellungen der Paradoxien und Phänomene der Physik, die er in seinen Arbeiten heranzieht, auf die Probe stellt und für den Betrachter in neuem Kontext erfahrbar macht.
Seit seiner Besichtigung des Barringer Kraters in der Wüste von Arizona 2016 beschäftigt Kiessling sich mit Meteoriteneinschlägen. In seinem Arbeitszyklus „Meteoritenberührungen“ beschäftigt er sich mit den Themen Einschlagsenergie, Zeit und Material.
In seinem Projekt für das Immobilien Zentrum greift der Künstler die Geschichte des Lerag Areals sowie das geologische Phänomen des Regensburger Umlands auf, indem er verschiedene Steinund Betonbrocken in seinen eigenen Werkstoff einmischt und aus diesem seine Meteoriten anfertigt, die aus einer beträchtlichen Höhe auf Aluminiumteile einschlagen und somit den Impact, die Einschlagskraft, visualisieren.

Julius von Bismarck wuchs in Saudi Arabien, Hannover und Berlin auf. Er absolvierte seinen Meisterschüler in der Klasse von Prof. Olafur Eliasson an der Universität der Künste Berlin.
Julius von Bismarck interessiert sich für die Beziehung zwischen Realitätskonstruktion und Naturwahrnehmung.
Die Intervention von Bismarcks lässt die Grenze zwischen Kulturprodukt und Natur verschwimmen und spielt die beiden Bereiche gegeneinander aus. Ein minimaler Eingriff kann die Wahrnehmung des Ganzen ändern.
Julius von Bismarck platziert 4 bis 6 große Baumstümpfe von hunderte Jahre alten Eichen. Dezentral im Park gelegen in einer Reihe – als ob die Stümpfe Reste von einer alleeartigen Bepflanzung wären, als ob an diesem Ort seit so vielen Jahren diese mächtigen großen Bäume mit tiefem Wurzelwerk gestanden hätten. Die Baumstümpfe von Bismarcks werden als Hinterbliebene einer fiktiven Wirklichkeit posthum in die Geschichte des Parks und der Wohnanlage auf dem ehemaligen Lerag Areal hineingeschrieben. Als Symbol der Dauerhaftigkeit und Erhabenheit, als historischer Angelpunkt für Stadt und Gemeinde sowie als Schutzund Zufluchtsort sind diese Bäume jetzt weg. Die gefällten Bäume werden in der neuen Parklandschaft in der Vorstellung des Betrachters wieder in voller Größe erkennbar, da die Stümpfe von stattlichen Bäumen zeugen.
Sind Wohngebiet und Park um diese Bäume herum gewachsen und haben wir diese Bäume nun verloren? Als Zeitzeugen der Vergangenheit werfen die Baumstümpfe die Frage auf, was vorher war. Vorher war „Lerag Beton“. Die Bäume können hier nie gestanden haben. Sie haben gar keine Wurzeln. Mit dieser Wahrheitssuche und dem Irritationsmoment spielt Julius von Bismarck und bezieht so jeden mit ein in seine Idee.

Die 1984 in Berchtesgaden geborene Johanna Schelle absolvierte ihr Diplom in der Bildhauerklasse von Prof. Hermann Pitz an der Akademie der Bildenden Künste München.
Johanna Schelle fertigt stilisierte, menschliche Figuren. Durch die Tatsache, dass sie auf dem Boden stehen, erhält der Betrachter die Möglichkeit, sich direkt in Beziehung zu ihnen zu setzen. Ohne große Gesten sollen sie einen Eindruck von Stille und Klarheit im Raum entstehen lassen und den Betrachter ein Stück weit auf sich selbst und seinen Alltag zurückwerfen. Die starke physische Präsenz gepaart mit der blassen Patinierung der Skulpturen sowie einem Gesichtsausdruck, der keine klare Gemütslage erkennen lässt, soll ein Gefühl von Entrücktheit ausstrahlen.
„Mein Anliegen ist es, den Betrachter ähnlich wie bei einem Rollenspiel in die von mir vorgegebene Szene zu holen und ihn in einen stillen Dialog mit der Figur auf dem Hintergrund der räumlichen Anordnung treten zu lassen.“ – Johanna Schelle
Besonders interessieren Johanna Schelle die Größenverhältnisse zwischen Umgebung, Figur und Betrachter und wie diese die Kommunikation und Interaktion beeinflussen. Johanna Schelles Figuren kommen uns entweder verfremdet klein vor oder sind überlebensgroß. Diesen Moment kreiert die Künstlerin ganz bewusst.